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terça-feira, 3 de maio de 2011

Implicações do mundo digital na Música

A música é a arte dos sons. Infinitos sons podem ser encontrados na natureza. Desde batidas de tambores a melodias de violino. E a ordenação lógica destes sons, é o que faz a música.


Estamos na era do digital. Mas, muitos não sabem o que significa o termo digital. Este termo refere-se a um novo sistema de discretização de valores. Ou seja, os sistemas digitais pegam valores enormes e tentam transformá-los em valores bem menores. Isso é feito para poder-se ter uma fácil reprodução e uma manipulação mais adequada destes valores. Um bom exemplo é um termômetro: Qual a diferença entre um termômetro de mercúrio e um digital? Se você olhar bem no termômetro de mercúrio, irá perceber que não existe um valor certo para uma temperatura. Nunca uma escala limitada vai chegar exatamente na temperatura real. O que o sistema digital faz, é discretizar esses valores em valores menores para termos uma noção da temperatura. Para ficar mais claro, imagine que a medição de um termômetro de mercúrio ficou entre 30 e 31 graus. Quantos valores existem entre 30 e 31? Infinitos: 30.01, 30.33223,. 30.987.. e assim vai. Enquanto no termômetro digital o que teremos? Temperaturas fixas 30, 31. Quanto mais discretização dos valores, mais informação o sistema digital irá perder. A vantagem de um sistema analógico (termômetro de mercúrio), é que ele consegue representar melhor o mundo real, mas, para reproduzir fielmente valores analógicos seriam necessários infinitos valores, e isso vai de contra nossa limitação de processamento. Já os sistemas digitais, discretizam esses valores para podermos manipularmos e entendermos o mundo a nossa volta, sem contar a exata  e fácil reprodução digital. Mas, o que isso tem haver com a música?



segunda-feira, 14 de março de 2011

O Som do Pi

Em homenagem ao Dia do Pi, estamos postando uma interpretação musical, feita por Michael John Blake, deste número irracional.



Para quem quiser saber um pouco mais sobre o Dia do Pi
- http://en.wikipedia.org/wiki/Pi_Day

Feliz dia do Pi!

terça-feira, 22 de fevereiro de 2011

O que é música?

Uns dizem que ela acalma as feras, outros que é o alimento da alma. Mas, sinceramente, não posso defini-la. Ela mexe com nossa criatividade, com nossas emoções, com a racionalidade... Envolve matemática, física e ainda envereda por ramos psicológicos. É simplesmente fascinante o seu alcance!
Basicamente é formada por três elementos: melodia, harmonia e ritmo. Estes são sua santíssima trindade. Sem um dos três elementos, não há música. Então, vamos a uma breve explicação desses conceitos:

Melodia: consiste na sucessão dos sons formando sentido musical. ¹

Harmonia: é a execução de vários sons ouvidos ao mesmo tempo, observadas as leis que regem os agrupamentos dos sons simultâneos. ²

Ritmo: consiste no movimento dos sons regulados pela sua maior ou menor duração. ³

Imagine um agrupamento de planetas. Nosso sistema solar, por exemplo. Imagine cada planeta como uma nota. Teremos assim, uma sucessão de notas. Contudo, cada planeta segue seu movimento de translação, o que podemos chamar de ritmo, posto que esse movimento é constante. Desse modo teríamos uma sucessão de sons (notas) tocadas com ritmo. Com isso temos um “sentido expressivo musical”.
Para se aprender música são necessários pelo menos três elementos: A teoria, onde aprendemos os conceitos e notações; a prática, onde exercitamos exaustivamente o que aprendemos na teoria; e a audição: é necessário ouvir e entender uma música antes de tocá-la bem. Isso traz mais conhecimento musical.
Essas etapas me lembram um pouco a metodologia científica. No entanto, a música reúne uma vasta gama de elementos e é de uma complexidade tamanha que por vezes me pergunto se ela é arte ou ciência. Bem, mas como disse Cesar Lattes: “a ciência é uma irmã caçula (talvez bastarda) da arte”.

Vitor S. Chagas - Editor do Clave de Pi

Referência Bibliográfica:
(1)(2)(3) Priolli, M. L. M. Princípios Básicos da Música para Juventude. 49ª Edição Revista e Atualizada. Rio de Janeiro, Casa Oliveira de Músicas Ltda., 2007. 142p. 1º volume.

sábado, 18 de dezembro de 2010

Jimi Hendrix - Mais que uma lenda, um mito do rock

Jimi Hendrix foi um músico excepcional no sentido exato da palavra. Autodidata e canhoto, tocava de maneira completamente estranha uma guitarra Fender Stratocaster para destros, com as cordas invertidas. Revolucionou a maneira de tocar guiatarra, desenvolvendo o uso da alavanca e principalmente dos pedais conhecidos como wha-wha. Mais do que isso colocou a figura do guitarrista como principal personagem nas bandas de rock. Seus solos e riffs foram uma das principais raízes para o nascimento do heavy metal.
Johnny Allen Hendrix nasceu em Seattle, Washington, em 1942. O seu nome foi posteriormente alterado pelo pai ainda durante a infância para James Marshall Hendrix. Aos 16 anos começou a tocar violão, participando de um grupo chamado Velvetones. Aos 17 ganhou do pai uma guitarra elétrica e entrou para o grupo Rocking Kings que mais tarde mudaria de nome para Thomas & The Tomcats. Jimi resolveu abandonar a escola e entrar para um batalhão de paraquedismo do exército, de onde foi logo desligado em virtude de uma fratura no joelho. Sem a escola e não podendo mais seguir carreira no exército decidiu se dedicar exclusivamente à música, tocando em bares e clubes com o amigo Billy Cox em uma banda chamada King Kasuals. Em 1963 Mudaram-se para New York, onde atuou também como músicos de estúdio, gravando e tocando com os Isley Brothers, Jackie Wilson e Sam Cooke.
Em 1965, em uma de tantas apresentações ao vivo como acompanhante de bandas diversas, Jimi chamou a atenção de Little Richard, grande astro e pioneiro do rock and roll dos anos 50. Apesar da excelente recepção por parte do público e da boa química surgida entre o vocalista e guitarrista, o ego imenso de Little Richard não permitiria que um guitarrista talentoso ofuscasse a sua presença no palco. Com a desculpa de que Hendrix havia perdido o ônibus da banda após um show em Nova York, Little Richard o demitiu, felizmente não antes que alguns dos shows houvessem sido devidamente registrados.
Devido à excelente repercussão de suas performances com Little Richard Jimi consegue um contrato de dois anos com a gravadora Columbia. Rapidamente deixa de ser figurante e monta sua própria banda, Jimmy James and The Blue Flames. O jovem guitarrista canhoto chama a atenção não apenas pelos solos imprevisíveis e de estilo inédito até a época, mas também pela extrema habilidade em tocar a guitarra com os dentes ou nas costas.
Chas Chandler, baixista do grupo The Animals, ouve a banda e se impressiona, pede a Jimi para ser seu empresário e passa a divulgar a banda na Inglaterra. A única condição de Hendrix foi a de que, chegando a Londres, fosse apresentado a Eric Clapton, no que foi prontamente atendido por Chandler. A admiração entre Hendrix e Clapton foi mútua, apesar dos estilos diferentes. Mitch Mitchell é chamado para ser o baterista da banda, rebatizada de The Jimi Hendrix Experience. Logo gravam três singles, Hey Joe, Purple Haze e The Wind Cries Mary, seguidos de extensa divulgação em rádios e tvs inglesas. Em abril de 1967 sai o seu primeiro LP, Are You Experienced, um clássico do rock de todos os tempo. Após uma turnê como banda de apoio na Europa fazem sua estréia na America no Monterey Pop Festival na California, logo após seguindo em turnê americana como banda de abertura dos Monkees.
Ainda em 1967 sai o segundo álbum, Axis: Bold as Love, logo seguido por Electric Ladyland (em janeiro de 1968) que continha o hit All Along the Watchtower de Bob Dylan. Segue-se uma fase de muitas participações de Hendrix como músico ou compositor em discos de artistas diversos. A banda Experience é desfeita e Hendrix monta uma nova banda com Mitch Mitchell, Billy Cox, o segundo guitarrista Larry Lee e os percursionistas Juma Sultan e Jerry Velez. O novo nome da banda é Gypsy Sons. Logo Mitch Mitchell seria substituído por Buddy Miles e a banda mudaria de nome para Band of Gypsys.
Em 1970 a banda Experience seria reformulada e lançariam The First Rays of the New Rising Sun, logo depois mudando novamente de nome para Cry Of Love.
Em 18 de setembro de 1970 Jimi Hendrix entrou em coma em um quarto de hotel de Londres, sozinho, sendo encontrado desacordado por uma equipe de paramédicos. A caminho do hospital foi constatada a sua morte em virtude de sufocamento por seu próprio vômito. Existem muitas controvérsias sobre a real causa da morte, mas provavelmente Hendrix sofreu uma overdose de pílulas tranquilizantes.

Confira um de seus solos:

sexta-feira, 3 de setembro de 2010

Os Animais são Naturalmente Musicais?

Por Christine Kenneally:


Que tipo de música os macacos mais gostam? Se esta questão algum dia já perturbou você, junte-se ao ex-DJ de casas noturnas, obsessivo colecionador de gravações musicais e cientista da cognição Josh McDermott. Ele gastou 15 meses tentando responder a esta pergunta, através de testes com o Sagüi Cabeça de Algodão e outras espécies de sagüis comuns. Tentou perceber se os macaquinhos preferiam uma canção de ninar Russa bem tranqüila ou trechos de uma música Techno alemã chamada: Nobody Gets Out Alive (Ninguém Sai Dessa Vivo). Ele também ofereceu aos animais uma escolha entre canções de ninar instrumentais, uma canção de ninar cantada, um Concerto de Mozart, ou o silêncio. Ele ainda os sujeitou a uma massa de sons dissonantes, para testar a reação dos animais.

Você pode imaginar que macacos não são assim tão diferentes dos humanos, mas se pensa que eles possuem gostos musicais parecidos com os nossos, ficará surpreso com o que McDermott, agora situado na Universidade de Minnesota, Minneapolis, e o seu colega da Universidade de Harvard, Marc Hauser, descobriram. Certamente, você pode até compartilhar com os macacos a preferência pela canção de ninar flauteada, ao invés da "Nobody Gets Out Alive", que é uma metralhadora de percussão e efeitos sonoros sintéticos esquisitos. Mas a escolha deles, dentro de um espectro mais amplo de músicas suaves, é bem diferente. Diferentemente dos humanos e sua variedade de escolhas, os macacos sempre preferem o silêncio a qualquer tipo de música. O mais inexplicável de tudo é a descoberta de que os macacos não sabem as diferenças entre tons melódicos e vários sons dissonantes que, para a maior parte das pessoas, seriam considerados uma forma de tortura.

Essas experiências, dizem McDermott e Hauser, mostram que as motivações fundamentais encontradas pelos humanos na música, não existem nos macacos. Comentando as descobertas, Isabelle Peretz, uma neuropsicóloga da Universidade de Montreal, Canadá, sugere que "apenas os seres humanos têm uma inclinação natural e inata em atribuir valor à música". Será que isto é verdade?

A perspectiva de Peretz está enraizada em uma longa tradição que atribui unicidade com respeito a tudo o que se refere à musicalidade humana – não apenas ao nosso gosto sonoro, mas também como a música soa para nós, como nós a percebemos ou mesmo como a construímos.

Propositores deste ponto de vista argumentam que a instrumentação musical humana é inigualável. Dizem que a extravagante variedade de meios pelos quais os seres humanos se expressam musicalmente não encontra comparações com qualquer outra espécie – usamos música para vender coisas, adorar a Deus, motivação pessoal ou por puro prazer, enquanto que mesmo um virtuoso pássaro canoro canta apenas por sexo ou para marcar seu território. Sob este ponto de vista, a música de outros animais, mesmo que coincidentemente parecida com a humana, é de fato nada mais do que um som servindo a uma função biológica específica. As descobertas de McDermott, aparentemente, encaixam-se nesta perspectiva.

Entretanto, alguns especialistas começam a questionar os ortodoxos. Sem dúvida, uma quantidade crescente de evidências sugere que a musicalidade humana não é assim tão especial e que, mesmo as espécies que desenvolveram uma musicalidade sem relação com os primatas, possuem vidas musicais ricas, permitindo-nos que aprendamos mais sobre a natureza e a origem da música se apenas nos sintonizarmos com elas.

O que é uma Canção?

Um dos primeiros pilares do conhecimento musical a cair foi a idéia de que apenas os humanos apreciassem a melodia. A maioria de nossas músicas é criada a partir de um grupo finito de notas que abrange uma oitava. Seja qual for a escala, notas são combinadas e recombinadas em padrões que chamamos de melodia. Quando ouvimos musica, o padrão de notas numa melodia é mais importante do que seu tom absoluto – sempre reconheceremos uma mesma melodia familiar, seja ela cantada por um adulto ou por uma criança. Pesquisadores musicais têm suspeitado que esta habilidade crucial fosse única em humanos, e alguns experimentos supostamente provaram isso. Pesquisadores descobriram que se uma canção fosse tocada para um estorninho, um pássaro mandarim ou pombos e depois fossem transcritos em uma oitava acima ou abaixo, as aves não ouviriam a mesma canção. Ao invés disso, aparentemente ouviam dois grupos diferentes de tons absolutos. Da mesma maneira, macacos capuchinhos que aprenderam a pegar sua comida após o som de uma canção, não reconheceram a sua "música de comida" se esta era transposta em uma oitava.

Em 2001, entretanto, um estudo de Anthony Wright e colegas da Universidade de Medicina do Texas, em Houston, colocaram essas descobertas em cheque. Descobriram que Macacos Rhesus eram capazes de reconhecer melodias transpostas em uma oitava inteira, sem grandes dificuldades – mas apenas quando eram submetidos à musicas infantis, como "Parabéns a Você", caracterizadas por fortes transições tonais. Quando Wright submeteu os macacos à músicas com melodias fracas, descobriu que os macacos não eram capazes nem de se lembrar das canções, quanto mais executar transposições. Experimentos anteriores, aponta Wright, usaram músicas atonais ou mesmo notas sem qualquer melodia, o que poderia explicar os resultados contraditórios. Aparentemente, pelo menos neste sentido, nossa habilidade musical não é tão diferente dos primatas, já que também temos certa dificuldade em reconhecer musica atonal, se ela se move para cima ou para baixo, na escala.

Também não estamos sozinhos na apreciação da essência de estilos musicais diferentes. Ava Chase, do Instituto Rowland, Na Universidade de Harvard, em Cambridge, Massachusetts, tem demonstrado que as carpas podem saber a diferença entre música barroca e a música de John Lee Hooker, pressionando um botão com seus focinhos para diferenciar uma da outra. As carpas nem mesmo usam sons para sua comunicação, mas são reconhecidas por sua sensibilidade auditiva. Pardais da Ilha de Java podem não apenas distinguir entre Bach e Schoenberg, mas, como descobriu Shigeru Watanabe, da Universidade de Keio, no Japão, podem aplicar o que aprenderam sobre as diferenças entre música erudita e as músicas mais modernas, para diferenciar as belas melodias de Antonio Vivaldi e os sons mais tensos da musica atonal de Elliott Carter. Ao contrário dos macacos de McDermott, os pardais de Watanabe aparentemente demonstraram se envolver com a música, mostrando claras preferências pelos trechos mais belos e harmoniosos e escolhendo ouvi-los em vez de ficarem sentados em silêncio.

Estudos de espécies que fazem música, ou algo enganosamente semelhante a ela, também apostam na idéia da existência de criatividade musical fora de nossa própria espécie. Pássaros canoros, por exemplo, arranjam e rearranjam grupos específicos de notas para montar frases ou longos temas, semelhantes às nossas melodias. Alguns também variam ritmos, assim como a altura, das mesmas maneiras que fazemos.

Os sons de Baleias Jubarte aplicam os mesmos princípios que usamos. Combinam frases com 15 segundos de duração e constroem temas com cerca de 2 minutos. Finalizações fraseológicas podem corresponder, ritmicamente, com as rimas em nossas letras. Uma variedade de temas que podem fazer uma música de talvez 12 minutos de duração, que pode ser repetida várias vezes. O maior ciclo musical gravado de uma Baleia durou 21 horas.

A "musica" da foca é a mais estranha para os ouvidos humanos, se é que o seu som pode ser chamado de canção, segundo Tecumseh Fitch, um especialista em bioacústica, da Universidade de Saint Andrews, no Reino Unido. A vocalização complexa das "verdadeiras" focas e morsas inclui vibrações, cliques, raspas, grunhidos e um "marcante som parecido com um sino", diz o especialista.

Aves, baleias, focas e humanos compartilham não apenas canções complexas, mas a habilidade de aprendê-las – não são apenas pré-programados para produzir sons musicais de acordo com uma marca de tempo genética, como são muitos animais. Isso lhes confere uma criatividade adicional. Da mesma forma que grupos humanos possuem diferentes tipos de tradição musical, diferentes grupos de baleias possuem dialetos próprios, e é possível para uma influenciar o gosto das outras. Tem sido documentado mais de uma vez que um grupo social de baleias irá abandonar suas canções características em favor de sons novos de um grupo social estranho.

Todo esse debate nos deixa com uma difícil interrogação sobre a finalidade da música. Aqueles que argumentam em favor da unicidade da música humana dizem que a criamos por intermináveis e incontáveis motivos, enquanto que os animais cantam apenas em alguns contextos determinados e específicos. O canto de um pássaro é exclusivo aos machos e seu único propósito é seduzir sua parceira e proteger o território. Semelhantemente, baleias somente cantam em zonas de reprodução em uma época específica do ano. Mais ainda, animais nunca cantam para eles mesmos, enquanto que humanos podem sentar sozinhos e murmurar, cantar, batucar um bumbo ou dedilhar uma guitarra por horas a fio.

O argumento contrário sustenta que não há diferença absoluta entre seres humanos e outros animais, isto seria apenas uma questão de perspectiva. De acordo com Fitch, limitações da música humana são subestimadas e aquelas existentes na música dos animais são freqüentemente superestimadas. Sexo, vínculo social e competição podem não ser a explicação de toda a música humana, mas certamente motivam muito dela. Mais ainda, uma quantidade substancial da música humana tem uma aplicação específica – pense na marcha nupcial, músicas fúnebres, hinos dos times de futebol e músicas parecidas. Com relação ao mundo animal, baleias foram ouvidas fora dos seus locais de reprodução, e algumas vezes aves são ouvidas vocalizando suavemente para si mesmas, em algo que se parece incrivelmente com os ensaios musicais humanos. Da mesma forma, não são apenas os pássaros canoros machos que cantam – em algumas espécies, machos e fêmeas até fazem duetos. E assim como não há dúvida de que o canto destes pássaros é usado para a comunicação com parceiros e rivais, sabe-se que ele possui outros papéis. O canto pode ser usado como senha ou como vínculo social para um grupo de animais. "Mesmo no escopo de uma única espécie, o canto funciona de diversas maneiras", diz Fitch.

O Princípio do Prazer.

Então, o que dizer sobre a afirmação de que somente os seres humanos se deleitam da música? Sem contar o prazer perverso que sentimos ao ouvir melodias melancólicas, provavelmente a razão mais importante para que nos interessemos pela música é porque ela nos proporciona uma sensação de bem estar. Monitoramentos cerebrais mostram que a sensação de euforia proporcionada pela audição musical é acompanhada por atividades nas mesmas áreas cerebrais que respondem às gratificações geradas pela comida, pelo sexo e pelas drogas psicotrópicas. Robin Dumbar, da Universidade de Oxford, tem estudado as maneiras como o canto em grupo e o toque de tambores fazem as pessoas se sentirem. "A atividade musical parece produzir cargas de endorfina, as quais presumimos que produzem em você a excitação em participar dessas atividades que, fora de contexto, pareceriam estranhas", ele diz.

Claro que não podemos perguntar a um animal como ele está se sentindo, mas alguns pesquisadores argumentam que pássaros somente cantam quando seus níveis hormonais estão altos, implicando na noção de que eles não seriam nada mais do que autômatos alados capazes de fazer sons. Fitch, por sua vez, não está convencido. "Pássaros cantam, provavelmente, porque isso os faz se sentirem bem – cumprir os impulsos biológicos geralmente faz com que os seres vivos se sintam bem", ele diz. Ele traça um paralelo entre o sexo e os motivos pelos quais o fazemos. "A razão crucial é a produção de descendentes, e isto é, definitivamente, parte da história", ele diz. "Porém, também o praticamos porque faz com que nos sintamos bem. Esta é uma motivação válida! Fazemos sexo com maior freqüência quando nossos níveis hormonais estão altos, e menos quando estão baixos – isso também é um motivo".

A perspectiva de que os pássaros têm prazer em cantar é sustentada por um estudo publicado em 2006 por Erich Jarvis e colegas do Centro Médico Universitário em Durham, Carolina do Norte. Descobriram um aumento nos níveis de dopamina em pássaros canoros machos, no momento em que cantavam. Os níveis aumentavam especialmente quando cantavam para uma fêmea. Dopamina, reconhecida como o neurotransmissor do bem-estar, é importante para o aprendizado. Ainda não está claro o papel que desempenha nos pássaros canoros, diz Jarvis, mas suspeitamos de que sua função primária seja a de induzir um reforço na aprendizagem e sua função secundária pode ser a de criar uma sensação de euforia.

Improvisação Musical dos Chipanzés Pigmeus.

Bill Fields, do "Great Ape Trust", na cidade de Des Moines, no Estado de Iowa, concorda que não são apenas os humanos que se sentem bem com a música. Acompanhado de Sue Savage-Rumbaugh e outros, está envolvido em um projeto ainda em andamento que explora os gostos musicais e habilidades de linguagem treinada dos Chipanzés Pigmeus, incluindo o famoso Kanzi e a fêmea Panbanisha. Uma seção musical no Great Ape Trust geralmente envolve performances ao vivo de músicos locais, mas os animais já improvisaram com celebridades como Peter Gabriel e Paul MacCartney. Os chipanzés podem escolher entre instrumentos como xilofone, tamborim, gaita e maraca, mas geralmente se concentram em apenas um deles durante a seção – Panbanisha gosta dos teclados, enquanto que Kanzi prefere a bateria (apesar de gostar de tocar o piano, de uma maneira mais percussiva). O resultado é um trabalho cooperativo, envolvendo humanos e chipanzés em um vai-e-vem bastante emocionante. A cada vez que os primatas se dedicam às seções musicais, diz Fields, "eles mudam de fisionomia por dias a fio". A música parece relaxá-los.

Provavelmente a similitude entre esses macacos aculturados e nós humanos não seja tão surpreendente. Afinal, chipanzés pigmeus ou os chipanzés comuns possuem características biológicas semelhantes às nossas. Chipanzés podem não cantar como seus primos primatas, os macacos Gibões, tão famosamente fazem, mas Flitch acredita que as origens da instrumentação musical podem ser encontradas em seu comportamento na selva, onde eles regularmente batucam em objetos naturalmente ressonantes, como nas partes mais resistentes das árvores. Alguns pesquisadores até imaginam que, como as baleias, grupos de chipanzés possuem práticas culturais distintas em relação aos batuques e vocalizações.

Apesar de tudo isso, a visão tradicional relacionada à limitação da musicalidade dos animais ainda prevalece, e muitos especialistas conservam-se convencidos de que a musicalidade humana é única. Todavia, existem alguns sinais de que as coisas estão mudando. McDermott, Hauser e Fitch são unânimes em afirmar que os componentes musicais provavelmente se desenvolveram de maneiras diferentes em épocas diferentes – e é simplesmente no "onde" e "quando" que estes pesquisadores discordam. Eles também concordam que ainda há muito a ser descoberto sobre as similaridades e diferenças entre os humanos e outros animais. Peixes podem ser capazes de diferenciar a música barroca do blues, por exemplo, mas eles distinguem entre esses estilos musicais de maneiras semelhantes as nossas e, se assim for, como isso acontece?

Pelo menos para os macacos de McDermott, um mistério já foi resolvido. Dada a sua indiferença pela música, por que eles preferem as canções de ninar ao som do Techno? Suspeitando que essa preferência tenha maior relação com uma resposta genérica ao andamento da música do que um discernimento de estilo, McDermott e Hauser ofereceram a eles uma escolha entre uma trilha sonora de 60 batidas por minuto e uma de 400. Com toda a certeza, os macacos optaram pela faixa de andamento mais lento. No mundo natural, os pesquisadores apontam, uma seqüência rápida de sons freqüentemente acontece em situações negativas, como lutas e tempestades. Deste modo, mais uma vez, a faixa mais rápida poderia simplesmente sugerir o tum-tum-tum de um coração pulsando ferozmente.


Fonte: Revista New Scientist, vol. 197, nr. 2644 (23 de fevereiro de 2008), pp. 29-32


Artigo original disponível on-line em http://www.newscientist.com/channel/life/mg19726441.300-music-special-are-animals-naturally-musical.html

Tradução: Adrian Theodor (março/2008). Revisão: Levi de Paula Tavares.

sexta-feira, 30 de julho de 2010

História do Trompete

Dos instrumentos musicais depois da voz humana, pode-se dizer que o trompete é um dos instrumentos mais antigos. Se olharmos na sua historia e construção verá que ele nasceu como um instrumento de chamada, utilizados por pastores para conduzir o rebanho ou em tempos mais antigos utilizado para assustar animais pré-históricos. Nessa época ele não tinha afinação ou escala, apenas era um pedaço de chifre que se produzia um som. Depois no período do metal, os romanos e outros povos construíram-no de metal para ser utilizado em guerras. Seus timbres e ataques davam os comandos para o exercito atacar ou não o inimigo.




O trompete só começou a evoluir e a ser utilizado na musica no século XV, no período do renascimento como ainda não tinha uma técnica aprimorada na época, era apenas utilizado para algumas notas e marcações (mais detalhes ver História da Musica).



Mais tarde com a ajuda que Bach deu a musica na época barroca, ajudou o trompete a evoluir também. Esse período foi o inicio da utilização do trompete na musica, pois agora ele tem notas e oitavas, podendo assim ser utilizado para a musica da época.



No período clássico, o trompete não teve tantos avanços como teve a linguagem musical, fazendo assim o trompete voltar a ser apenas um instrumento harmônico e de reforço rítmico. O concerto de Haydn não foi escrito para trompete, mas sim para cornet da época.



Mas só em 1815, um trompista alemão chamado Heinrich Stölzel, criou o sistema de válvulas para instrumentos de metal, e em 1939 o francês Périnet patentiou um sistema de válvulas chamado de “gros piston” que é a origem das válvulas que utilizamos hoje no trompete. Daí pra frente o trompete teve seu lugar na musica, pois com esse sistema de válvulas ele ficou completamente cromático.



Depois disso, o trompete ganhou também válvulas para afinação do instrumento e de novas individuais.



Depois dessa evolução, as industrias de instrumentos não pararam por ai, com o jazz e as orquestras, eles criaram outras variações de trompete tais como: Cornet, Picollo, Flugue Horn entre outros.



Não podemos esquecer dos músicos que criaram técnicas e fizeram com que o trompete chega-se ao que é hoje. Músicos incríveis como: Jonh Baptista Arban, King Oliver, Dizie Dilespy, Duke Ellighton, Louis Armstrong, Arturo Sandoval e Winton Marsalis (exemplo a ouvir: Variações sobre Carnaval de Veneza).


sábado, 26 de junho de 2010

Neil Peart - Um dos Maiores bateristas da atualidade

Neil Peart começou a tocar bateria aos 13 anos de idade, observando os grandes nomes que se apresentavam na época. Após uma temporada em Londres, volta desanimado para o Canadá e participa de uma seleção para o novo baterista do Rush. Entra para a banda no dia do aniversário de Geddy Lee, em 29 de julho de 1974, e duas semanas após a 1ª turnê americana do grupo. Finalmente se apresenta pela primeira vez com o Rush no dia 14 de agosto de 1974, tocando para 11.642 pessoas no Civic Arena, Pittsburgh, USA, na abertura de shows do Uriah Heep e Manfred Mann. Seu primeiro Drum Kit Profissional foi um Slingerland prata. Suas principais influências musicais foram Keith Moon, do The Who, Bill Bruford do Yes e Carl Palmer do Emerson Lake & Palmer, todos originalmente muito técnicos e criativos. Neil é um ávido leitor e suas influências como letrista são: J.R.R. Tolkien, Ernest Hemmingway, John Steinbeck, F. Scott Fitzgerald, Dos Passos, Barth, Ayn Rand and Gabriel Garcia Marquez.
Como escritor lançou: "The African Drum"(1988), "Raindance Over the Rockies"(1988), "Drum Beats"(1994) , "The Masked Rider"(1996), "Ghost Rider" (julho de 2002) e "Traveling Music:Playing Back The Soundtrack To My Life and Times (2004)
Em 1996 lançou "Neil Peart - A Work In Progress" - 2 vídeos que documentam a gravação do álbum "Test For Echo" do Rush. Também produz 2 Tributos ao baterista Buddy Rich "Rurning For Buddy: A Tribute To The Music of Buddy Rich" Vol.1 em 1994, e Vol.2 em 1997.
Em agosto de 1997 começa o "calvário" de Neil, com a morte de sua filha única Selena, num acidente fatal de Jippe. Dez meses depois,em junho de 1998, sua mulher Jacqueline Taylor morre de câncer. O Rush pára por cinco anos. Neil faz sua famosa "viagem de renascimento" em cima de uma motocicleta por quase toda a América do Norte e parte de México. Na volta é um outro homem. Começa a compor novo material. Casa-se com a fotógrafa Carrie Nuttall em 2002. Eles residem atualmente em Los Angeles - CA .

Família: -
Irmãos: Danny, Judy e Nancy
Esposa: (1ª) Jacqueline Taylor (falecida), (2ª) Carrie Nuttall
Filhos: Selena Taylor (falecida)
Passatempos: Praticar bateria, andar de moto e leitura de livros
Esportes Favoritos: Ciclismo e Arco e Flexa

Neil Peart foi um marco na história da bateria. Ele agrupou vários instrumentos percurssivos, até então não utilizados na bateria, para fazer um som diferente. Constituindo assim umas das baterias com mais peças que se tem notícia. Assistam o solo dele:



ELEIÇÃO DOS LEITORES DA REVISTA "MODERN DRUMMER"

. Baterista Novo Mais Promissor: 1980
. Melhor Baterista de Rock: 1980, 1981, 1982, 1983, 1984, 1985
. Melhor Performance Gravada:
- 1981 - Moving Pictures
- 1981 - Exit...Stage Left
- 1982 - Signals
- 1985 - Grace Under Pressure
- 1986 - Power Windows
- 1988 - Hold Your Fire
- 1989 - A Show Of Hands
- 1990 - Presto
- 1992 - Roll The Bones
- 1994 - Counterparts
- 1997 - Test For Echo
- 1999 - Different Stages
. Melhor Instrumentista de Percussão: 1982
. Melhor Multi-Percussionista: 1983, 1984, 1985, 1986
. Hall Of Fame: 1983
. Sala De Honra - Melhor Multi-Percussionista: 1986
. Sala De Honra - Melhor Baterista de Rock: 1986
. Melhor Baterista De Todos Os Tempos: 1986

sexta-feira, 4 de junho de 2010

A Música e o Computador

O ponto de encontro entre a Arte e a Tecnologia
Angelino Bozzini

O namoro entre a música e a dupla ciência/tecnologia é muito antigo. Já cinco séculos antes do nascimento de Cristo, o filósofo grego Pitágoras estabelecia as bases físicas e matemáticas do universo sonoro. As descobertas dos séculos seguintes não acrescentaram muito às teorias de Pitágoras; elas tinham caráter eminentemente prático e foram utilizadas basicamente no aperfeiçoamento da construção de instrumentos musicais.

No final do século passado, porém, o físico alemão Hermann Helmholtz revisou as teorias de Pitágoras e fundou as bases da acústica moderna. Destaca-se no seu trabalho a prova científica da existência dos sons harmônicos.

Com o conhecimento decorrente das descobertas de Helmholtz e o desenvolvimento da eletricidade, em 1920 começaram a aparecer os primeiros instrumentos musicais cujo som era produzido eletronicamente. Dentre eles, um dos mais famosos é o "Ondas de Martenot", idealizado pelo compositor francês Maurice Martenot e empregado por vários compositores como Honegger e Messian. Seu som era semelhante ao de um serrote tocado com arco.

Esses instrumentos tiveram seu auge com os órgãos e os sintetizadores eletrônicos, que no princípio buscavam imitar os instrumentos acústicos tradicionais. Com o tempo, os compositores descobriram que podiam criar sons inusitados e mesmo impossíveis de serem produzidos pelos instrumentos convencionais.

Essa evolução deu origem a um capítulo novo na história da música: a música eletrônica. Os instrumentistas olhavam desconfiados para as novidades; muitos compositores acreditavam que nunca mais precisariam da boa vontade dos músicos para dar vida à sua imaginação. Falava-se mesmo que, em pouco tempo, os instrumentistas não seriam mais necessários e que os compositores poderiam ter controle sobre todo o processo.

Isso não era verdade, mas o fato é que os papéis estavam mudando: os compositores tinham mais poder, os músicos precisavam de mais versatilidade. Lá pela década de 40 construiu-se nos Estados Unidos o primeiro computador. Possuía 18.000 válvulas, pesava 30 toneladas, consumia 150.000 W de energia e não era mais potente que uma calculadora de bolso atual. Computadores eram máquinas enormes, caríssimas e utilizadas apenas por governos ricos ou grandes empresas.

Foi na década de 70, com o surgimento dos primeiros microcomputadores, que a música e a informática começaram sua relação. O que faz do computador um instrumento fascinante para o trabalho musical? Para responder a esta pergunta temos primeiro que saber...

O Que é um Computador?

O computador, definido em poucas palavras, é um instrumento complexo capaz de processar informação numérica. Essa definição poderia ser a de uma calculadora; o que torna o computador diferente?

Para o computador esses números não são simples algarismos, mas sim códigos numéricos que podem representar sons, letras, números, imagens, e qualquer tipo de informação que possa ser quantificada. Para poder processar tudo isso é necessário que elas estejam traduzidas para um formato numérico.

Uma vez digitalizada, o computador pode manipular essa informação, reproduzindo, alterando, analisando e reorganizando-a. As possibilidades são praticamente ilimitadas. Pode-se virtualmente criar e transformar qualquer coisa que possa ser imaginada - tudo processando-se dados numéricos.

Mas como transformar o som em números?

O Som Digital

Para se digitalizar um som precisamos em primeiro lugar saber quais parâmetros queremos traduzir. Esses parâmetros são os mesmos que caracterizam qualquer som: duração, intensidade, altura e timbre. Para cada um deles precisamos de uma "régua" que possa medi-los.

Imagine, por exemplo, que você queira digitalizar a intensidade de um som e, para isso, disponha de uma régua com quatro marcas: 1)fraco, 2)médio, 3)forte e 4)fortíssimo. Ao atribuir um código à intensidade de um determinado som, você o compararia com o padrão de sua régua e atribuiria a ele o código que mais se aproximasse.

É importante notar que se um som tiver uma intensidade entre médio e forte você só pode atribuir a ele o código 2 ou 3, pois sua régua não possui valores intermediários. Assim, a qualidade de sua digitalização vai depender da quantidade de valores que a "régua" de seu computador permite registrar.

Isso explica porque as primeiras experiências musicais realizadas com computadores possuiam uma quantidade sonora sofrível. As nuances que o computador permitia registrar estavam muito aquém daquelas existentes no mundo sonoro real.

Hoje em dia, a capacidade de processamento dos computadores aumentou muito e a fidelidade de reprodução chega a enganar muitos ouvidos apurados. A tecnologia descrita acima é a empregada na gravação dos CDs. Neles está gravada em formato numérico a descrição digitalizada de todos os sons que compõem as músicas lá contidas. É uma quantidade enorme de informação!

Mas e os instrumentos eletrônicos, como codificam seus sons?

O Padrão MIDI

Todo mundo sabe que um "Lá" possui, por definição, uma frequência de 440 hz, ou seja, para produzirmos a nota Lá teremos que gerar uma vibração de 440 ciclos por segundo. Como o Lá, todas as notas têm frequência definidas.

Se atribuirmos um código a cada tecla de um sintetizador eletrônico, um código a cada timbre que ele possa produzir, um código para a intensidade, e finalmente produzirmos um pulso (como o de um relógio) e indicarmos quando um som tem de começar e terminar em relação a esse pulso, poderemos fazer uma "receita" de sons que, interpretada por um instrumento que entenda esses códigos, poderá ser reproduzida fielmente.

Qual a vantagem? Simples, os números necessários para descrever as teclas de um piano são muito menores e em menor quantidade do que aqueles necessários para descrever todas as frequências entre 20 e 20.000 hz (faixa de audição do ouvido humano).

Os principais fabricantes de instrumentos eletrônicos resolveram estabelecer um padrão de codificação musical denominado MIDI (Musical Instrumental Digital Interface - interface digital de instrumentos musicais). Assim, se numa receita aparece o código de timbre no 14, todos os instrumentos que respeitam o padrão MIDI sabem que têm que imitar o som de um xilofone e não de um piano, por exemplo. A grande vantagem dos arquivos MIDI é o fato de eles serem pequenos e facilmente editáveis.

Os Editores de Partituras

Outro emprego importante do computador é na editoração musical. Com o auxílio de um editor musical e de um teclado padrão MIDI acoplado ao micro, podemos rapidamente copiar uma partitura com qualidade profissional.

Entre outras, uma das grandes vantagens dos editores musicais é a capacidade de extrair automaticamente as partes individuais de cada instrumento a partir de uma partitura geral.


Mudanças Provocadas pela Informatização da Música

A flexibilidade e versatilidade dos instrumentos eletrônicos associados ao computador fez com que muitos pseudo-músicos se considerassem possuidores de um talento que na verdade não lhes pertencia. A conseqüência disso foi a proliferação de grupos musicais de baixo nível artístico sustentados por uma parafernália eletrônica. Teclados programáveis de última geração tiraram o emprego de muitos bons músicos.

Mas o bom senso ainda existe. Uma prova disso é o fato de que, nos últimos anos, vários verdadeiros artistas que se utilizam de instrumental eletrônico têm gravado discos "acústicos" , na tentativa de resgatarem um som mais natural, numa relação mais íntima entre músico e som. Esta é também uma forma, talvez inconsciente, de mostrarem que são músicos, independentemente do tipo de instrumento que utilizem.

O Que o Futuro nos Reserva...

Os progressos gerados pela informatização da música são em sua maioria positivos e irreversíveis. Na educação musical, por exemplo, os alunos encontram no computador um professor capaz e paciente. Os estudantes de composição podem ter uma idéia muito clara do que sua imaginação e trabalho intelectual são capazes de produzir. Obras de referência ganham sons, imagem e animação. Através da Internet podemos chegar virtualmente a qualquer canto do mundo, conhecer sua música e trocar idéias com músicos locais.

Pode-se prever que em pouco tempo - desde que se resolvam os problemas econômicos e sociais, é claro - teremos rompido todas as barreiras que hoje nos separam do conhecimento e da concretização daquilo que somos capazes de imaginar.

O importante é não perdermos a dimensão humana daquilo que fazemos e lembrarmos que a música serve à expressão do que somos como seres humanos.

Fonte: http://www.weril.com.br/

terça-feira, 4 de maio de 2010

História do Cavaquinho

Existe unanimidade entre autores como Oneyda Alvarenga, Mário de Andrade, Renato Almeida e Câmara Cascudo sobre a origem portuguesa do cavaquinho. Afirma Cascudo que de Portugal o instrumento teria sido levado pra a ilha da Madeira e de lá, após absorver algumas modificações, vindo para o Brasil. Na verdade, o cavaquinho chegou não só ã ilha da Madeira mas, também, aos Açores, Havaí e Indonésia.


No Havaí, levado pelo madeirense João Fernandes em 1879, foi rebatizado pelos habitantes locais como ukulele (pulga saltadora), caiu no gosto da população e acabou se tornando símbolo da música havaiana. Na Indonésia, ganhou o nome de Kerotijong (ou viola de kerotjong ou ainda ukulele como no Havaí), e paticipa do conjunto que toca o gênero de mesmo nome, bem parecido com o conjunto de choro brasileiro. No livro Instrumentos Populares Portugueses encontramos a seguinte descrição: "O cavaquinho é um cordofone popular de pequenas dimensões, do tipo da viola de tampos chatos - e portanto das família das guitarras européias - caixa de duplo bojo e pequeno enfraque, e de quatro cordas de tripla ou metálicas - conforme os gostos, presas em cima nas cravelhas e embaixo no cavalete colado no meio do bojo inferior do tampo. Além deste nome, encontramos ainda, para o mesmo instrumento ou outros com ele relacionados, as designações de machinho, machim, machete, manchete ou marchete, braguinha ou braguinho, cavaco etc..."


Além das coincidências de formas e afinações do instrumento lá e aqui, vemos ainda que em ambos os casos o cavaquinho está ligado a manifestações populares, festas de rua, etc.


Sobre os gêneros que o utilizam em Portugal, encontramos na mesma publicação o seguinte: "Como o instrumento de ritmo e harmonia com seu tom vibrante e saltitante, o cavaquinho é como poucos, próprio pra acompanhar viras, chulas, malhões, canas-verdes, verdegares e prins".


Além dos gêneros que o utilizam em Portugal, outro detalhe marca a diferença entre o cavaquinho no Brasil e em Portugal: a maneira de tocar. Enquanto aqui utilizamos a palheta para tanger as cordas, lá são usados os dedos da mão direita, geralmente fazendo rasgueado.


No Brasil o cavaquinho desempenha importante função no acompanhamento dos mais variados estilos, desde gêneros musicais urbanos como o samba e o choro, até manifestações folclóricas diversas como folias de reis, bumbs-meu-boi, pastoris, chegança de marujos.



Choro: 

O cavaquinho, com a flauta e o violão, formou o conjunto que deu origem ao choro com forma de tocar e mais tarde como gênero musical. Com o aparecimento do samba na década de 10, o cavaquinho ganhou o gênero com o qual é mais identificado, e no qual participa de todo tipo de evento, desde o samba de terreiro até o desfile das escolas de samba, muitas vezes sendo o único instrumento harmônico.



Grandes Instrumentistas: 

Ao longo deste século grandes instrumentistas marcaram o desenvolvimento do cavaquinho, entre os quais podemos citar Nelson Alves(Nelson dos Santos Alves - Rio de Janeiro - 1895-1960). Integrante do grupo de Chiquinha Gonzaga e fundador dos Oito Batutas. Autor de choros como Mistura e manda e Nem ela.. nem eu. Canhoto(Waldiro Frederico Tramontano - Rio de Janeiro - 1908-1987). O mais marcante acompanhador de cavaquinho. Tocou com Benedito Lacerda desde a décads de 30; em 1950 fundou seu próprio regional, marco dentro dessa formação instrumental. Garoto(Aníbal AUgusto Sardinha - São Paulo - SP - 28/06/1915 - Rio de Janeiro 03/05/1955). Inigualável virtuose das cordas. Tocava banjo, cavaquinho, bandolim, violão tenor,guitarra havaiana, violão, etc. Foi o autor de músicas revolucionárias para a sua época como Duas contas e Sinal dos tempos. E sobretudo aquele que popularizou o cavaquinho como solista: Waldir Azevedo(Rio de Janeiro - 27/01/1923-20/09/1980). Autor das músicas mais executadas do repertório de cavaquinho: Brasileirinho, Delicado e Pedacinhos do Céu, entre outras. Podemos ainda acrescentar que dentro dessa evolução o acontecimento mais recente de relevo é a experiência camerística que a Camerata Carioca, idealizada pelo maestro Radamés Gnattali, realiza; utilizando o cavaquinho para tocar desde concertos de Vivaldi até músicas de autores contemporâneos.



Adeptos: 

Nos últimos anos duas variações de forma do cavaquinho ganharam adeptos: a guitarra baiana(um cavaquinho elétrico de corpo maciço e forma de guitarra elétrica) instrumento solista dos trios elétricos, e o banjo-cavaquinho, que devido ao seu som alto, se equilibra melhor com os intrumentos de percussão usados nos chamados pagodes.

sexta-feira, 30 de abril de 2010

A música no Oriente Médio

Antes do advento do Islamismo, a música era dominada pelas mulheres, tanto que um homem no meio poderia ser considerado efeminado. Juntamente com a segregação dos haréns, músicos homens emergiram nos palcos, imitando as mulheres, usando roupas femininas e henna nas mãos. Estes ficaram conhecidos como Mukhannath (efeminados) e o mais conhecido deles “o pequeno pavão” ganhou o título de “pai da canção”, e ainda assim foi expulso da cidade de Medina por causa de sua profissão. Mais tarde, durante a ascensão do califado, os músicos tiveram lugar garantido nas cortes desde a Pérsia até a Espanha.
Mesmo assim, o Islã tinha uma posição curiosa sobre a música, pois aceitava somente aquelas de caráter devocional e condenava os estímulos das músicas que não eram ligadas à religião. Apesar de não constar nada no Alcorão que condene música e dança, logo após a morte de Mohammad, os califas publicaram a seguinte nota atribuindo ao profeta:
"Música diminui a modéstia, aumenta a luxúria e solapa a virilidade. É como vinho e faz o que as bebidas fortes fazem. Se você precisa da música, no mínimo mantenha sua mulher longe dela.”
Eles acreditavam que a música relembrava sentimentos e emoções, influenciava os batimentos cardíacos e seu poder encorajava as pessoas a perderem o controle e praticarem coisas inaceitáveis, o que causou seu banimento em países de fundamentalismo religioso.
No ano de 750 aproximadamente, os Umayyads instituíram a música como entretenimento em parte da vida da corte em Damasco. Foram muito criticados por serem patronos das artes, especialmente da música, considerada rival do Alcorão. Foram expulsos de Damasco e foram para a região da Andaluzia, na Espanha. Com isto, levaram a tradicional música árabe para Espanha, onde mais tarde foi modificada pelas influências gregas e tornou-se a música árabe Andaluz, que estabeleceu suas raízes no Norte da África.
Seus sucessores, os “abbasids” continuaram a desenvolver a música, porém discretamente e dentro das cortes. Desde então, a música árabe como entretenimento veio ganhando maior aceitação, mesmo nos países mais religiosos.
Na dança árabe, é tarefa da bailarina expressar as emoções solicitadas pela música e durante as improvisações, destacar as qualidades do instrumento que sola, pois a dança árabe é determinada pelo acompanhamento musical.
Ao contrário da música ocidental, ela não desenvolveu o uso da harmonia. A razão básica é que a harmonia depende de um sistema tonal fixo (um espaço invariável entre notas). Toda a escala musical árabe tem certas posições fixas (tons e meio tons) como na música ocidental, mas entre elas existem notas sem lugar fixo e que caem em posições diferentes numa escala cada vez que são tocadas.
As únicas composições que podem incluir harmonia simples são aquelas baseadas em escala ocidental, como é o caso das gravações orquestradas modernas.
Para examinar a música de todos os países árabes, levaria muito tempo e daria o tamanho de um livro, pois a música oriental inclui muitas tradições desde o Iraque até o Egito. Notas, ritmos, instrumentos e estilos de canto variam de país para país; ainda assim, toda a música árabe compartilha de certas semelhanças, como por exemplo a fortíssima qualidade na improvisação e por ser, na sua essência, altamente melódica.
É difícil fazer a distinção entre música clássica e popular e/ou folclórica. A grosso modo, a música clássica é um refinamento da música folclórica ou popular. A música menos sofisticada, ou folclórica, é aquela que acompanha danças tradicionais e de roda, quando pessoas se reúnem informalmente, produzindo sons de palmas e usando instrumentos de percussão como o daff e o tabel.
Hoje, mesmo nos países muçulmanos mais rígidos, a música e a dança ocupa tradicionalmente um lugar especial na vida dos árabes. Os pequenos conjuntos de 05 ou 06 músicos deram lugar a verdadeiras orquestras, com instrumentos como órgão elétrico, metais e até mesmo guitarra. Uma música que, no passado, era principalmente improvisada, torna-se hoje mais estruturada.
Apesar desta estruturação, para apreciar a música árabe é preciso abandonar a expectativa ocidental de que ela será cheia de mudanças óbvias, pois este é o efeito hipnótico desta música: mudanças e variações inesperadas e muitas vezes sutis, que quanto mais ouvimos, mais ficamos surpresos e prontos para discernir suas sutilezas e nuances.

Um breve histórico da música árabe
Temos pouquíssimas fontes históricas sobre a música árabe. Segue abaixo um suposto histórico, resultantes de algumas tentativas de documentação sobre o assunto:
Final do século XIX (Egito):
- A invasão de Napoleão introduziu a notação ocidental para a música árabe que, até então, era quase que totalmente baseada na tradição local.
Início do século XX (Egito):
- Desenvolveu-se o clássico "Tarab" Egípcio, com a formação de uma orquestra clássica egípcia e com o domínio de uma voz. Junto a este crescimento, nasceram alguns famosos músicos e cantores, como Om Kalthoum, AbdeI Wahab, etc.
Metade do século XX (Líbano):
-Crescem e tornam-se famosos, trabalhando em grupos, os irmãos Rahbani e Fairuz. Esse grupo nasceu do boom cultural de Beirute, com os poetas e músicos trabalhando juntos para criar uma nova música com alma própria e diferente do Tarab egípcio. Esta criação manifestou-se em formas de operetas (shows musicais), concertos e recitais. Os Rahbani, com certeza, deixaram sua marca na música libanesa.

Presença da Música Litúrgica:

- É um tipo de música específica que acompanha os versos e as preces do Alcorão ( a “bíblia” muçulmana). Não pode, em hipótese alguma, ser usada para dança e seu uso é exclusivo para fins espirituais.

quarta-feira, 7 de abril de 2010

Música Orgânica

"O homem compõe a Música, a Música, compõe o homem."


          A Música, como nenhuma outra Arte, é capaz de atuar sobre o ser humano modificando o seu padrão emocional e vibracional, isto é, o padrão de seu conjunto vital através da atuação sobre o corpo físico e as emoções.
          A Música, vencendo barreiras e bloqueios, penetra nas profundezas do ser. Em todas as culturas, ela desempenha um papel importantíssimo no equilíbrio psíquico, nas ligações dos homens entre si, com o meio e o cosmos.
          As descobertas e as pesquisas de Música Orgânica enquanto disciplina e abordagem estão intimamente relacionadas com a história da própria vida de quem com ela se envolveu.
          Ao abordar os fenômenos musicais de maneira menos fragmentada e preconceituosa do que a habitual, ela está perfeitamente afinada com a tendência contemporânea de transdisciplinaridade. Assim como a Biodança , o Psicodrama e muitas outras disciplinas, a Música Orgânica, dentro dos seus limites e a sua maneira, constrói pontes entre teorias e abordagens até então excludentes quanto ao estudo da interação som / fenômeno humano.
          Na verdade, foi necessário um grande esforço de síntese para estudar as inter relações entre a prática de formas musicais associadas a movimentos corporais a consciência humana e a própria vida.
          Ela não precisa parecer com a Música que toca nas rádios nem se sujeitar aos padrões estéticos acadêmicos. De certa maneira, a magia da Música independe inclusive, do apuro técnico dos músicos e equipamentos.




MAS O QUE É MÚSICA ORGÂNICA?

          Na realidade, toda Música que aconteça de fato, enlevando, sublimando e aglutinando, é, de certa maneira, orgânica. Grande parte dos poderes da Música advêm exatamente da interação pulsatória, dos ritmos que compõem as pessoas, como batimentos cardíacos, respiração, movimentos corporais e o próprio pensamento.
          O fenômeno musical pode ser atualizado e analisado sob várias óticas. O conceito de Música Orgânicaao fazer e ao pensar Música sob uma determinada abordagem ORGÂNICA, isto é, usar o nosso próprio corpo, como fonte de SONS e RITMOS.... refere-se, o mais explicitamente possível,
          A VOZ é o principal SOM do instrumento ser humano. Para a abordagem orgânica, ela funciona como indicador dos estados de espírito e contato com as regiões mais profundas do ser. Sob esta perspectiva, o seu exercício é de extrema eficiência no desbloqueio corporal, na expansão da consciência e nas expressões das individualidades.
          Nas oficinas, o canto é incentivado sempre, através de movimentos corporais integrados a respiração e a emissão vocal.
          Os trabalhos com RITMOS são feitos, sempre que possível, a partir dos próprios pulsos orgânicos, usando-se a marcação dos mesmos, com as mãos, com os pés, alternando as várias formas de execução.




A FUNÇÃO "OUVIR"

          Ouvir Música é o mais próximo de produzir ou executar Música, na medida em que a vibração sonora é um fato físico que invade o corpo no momento da audição. Não necessita de interpretações estéticas para seu conteúdo harmonizante ser absorvido pelo corpo e atuar sobre o padrão emocional e vibracional da pessoa ouvinte.
          Um dos grandes prejuízos do homem contemporâneo é a perda da sutileza dos seus sentidos. Existem muitos trabalhos, mais ou menos recentes, principalmente, ao que se refere ao tato e ao contato corporal. De maneira geral, pode-se afirmar que o homem contemporâneo focaliza o contato visual em detrimento dos outros sentidos.
          É a nossa adaptação ecológica ao mundo em que vivemos, que determina, em grande parte, os sentidos mais utilizados. Dependemos muito mais da visão para atravessar a rua, ver televisão, ler e escrever, do que, por exemplo, da audição.
          O ouvir está relacionado com a capacidade de entrega, de ser receptivo e cooperativo.
          Ao desenvolvermos um trabalho em Música Orgânica, devemos estar sempre atentos para a função "ouvir" que deve estar presente em todos os momentos; devemos lembrar aos participantes, de abrir os ouvidos e o próprio corpo ao contato do seu som ao som das outras pessoas. O ouvir, enquanto abertura e atenção ao contato sonoro, determina, na maior parte dos nossos exercícios e práticas, a possibilidade de harmonização.
          A perda da sutileza auditiva é decorrência da adaptação do homem ao seu ecossistema e a uma cultura competitiva e barulhenta. De um modo geral, o homem urbano não tem consciência de quanto precisa de seus ouvidos para orientação, comunicação e sobrevivência.
          A pouca importância que damos ao ouvir se mostra, por exemplo, na nossa pobreza de vocabulário para descrever os sons.
          Nas Oficinas, busca-se criar situações em que se precise objetivamente dos ouvidos, do contato sonoro, para que os participantes se relacionem com o que está acontecendo. As situações são construídas de modo a evitar a audição meramente passiva ou estereotipada, como pode acontecer numa conversa ou numa audição de música.
          Como "construir" estas situações? Simples........
Devemos usar vários meios para obtermos o "clima" desejado, como:





  • Diminuir as luzes do ambiente, favorecendo uma maior concentração



  • Pedir aos participantes que fechem os olhos para que se abram outros canais de percepção



  • Produzir sons advindos de várias fontes sonoras, tais como: deixar cair um objeto no chão, bater palmas, marcar ritmos com objetos ou instrumentos de percussão

  •           Após a obtenção do "clima" de atenção e um certo relaxamento, os participantes estarão com aptidão para desenvolver os trabalhos propostos, que são os cinco exercícios de ouvir, que consideramos de importância máxima para começar uma oficina de Música Orgânica. Estes exercícios devem ser feitos com a máxima atenção possível, pois envolvem a atenção, percepção e audição... enfim, começa-se a usar os nossos 5 sentidos: audição, visão, olfato, degustação e tato.
              Os primeiros exercícios propostos, são todos centrados no ouvir. São 5 exercícios a escolha de cada pessoa. Podem ser combinados entre si, ou feitos isoladamente.
    São eles:


  • Ouvir o som desaparecer



  • Ouvir a Natureza



  • Ouvir a própria voz



  • Ouvir os sons do ambiente



  • Ouvir uma música em intensidade progressivamente menor








  • Ouvir o som desaparecer - De certa forma, este exercício sintetiza todos os outros quatro. Produzindo-se o som através da vibração de uma fonte sonora, ele tem como objetivo, manter a atenção no som até ele desaparecer. Neste exercício os pensamentos, a imaginação, e as sensações interferem, mas não devemos deixar que o foco principal se perca, ou seja, o som.








  • Ouvir a Natureza - A natureza por si só, já é uma sinfonia... Ouçamos então, a Música da Natureza, que tem as mesmas leis que regem a nossa existência....... Os sons da respiração, dos batimentos cardíacos, dos passos, das ondas ou do vento, fazem parte da mesma Sinfonia: a Sinfonia do Universo, da qual nós também somos INSTRUMENTOS ... ... .. INTÉRPRETES ... ... E COMPOSITORES.








  • Ouvir a própria voz - A voz é a nossa respiração audível. É uma massagem de dentro para fora, é expressão sutil das individualidades, é o som desse instrumento chamado Homem.
    São muitas as formas de expressões rítmicas da voz. Esses ritmos apesar de raramente receberem a atenção consciente, têm um papel importantíssimo no processo da comunicação. O ritmo mais evidente na voz é a respiração. Falamos ou cantamos quando expiramos , e silenciamos quando inspiramos. Esse é o Binário Básico : Inspiração / Expiração.








  • Ouvir o som ambiente - Como podemos ajudar a nossa audição? Ora, é simples...... por vários momentos durante o dia, podemos nos dar um tempo e parar, para ouvir....... sim, ouvir os sons que nos cercam e qualificá-los se são bons ou não para nós. Muitos sons nos penetram sem termos consciência disso..... essa prática , vai nos dar maior consciência do universo sonoro que nos cerca, possibilitando que vivamos melhor com ele, na medida em que observarmos a ação do som sobre o nosso metabolismo e na nossa consciência.








  • Ouvir uma Música em intensidade progressivamente menor - Coloque um CD de sua preferência, mas que não tenha muita variedade de intensidade..... Coloque-se confortavelmente em sua poltrona favorita e deixe-se envolver pela música...aos poucos, os ruídos externos, os pensamentos, as sensações, vão se tornando fundo e a música, figura. A seguir, baixe o volume....... e preste atenção ao som....abaixe cada vez mais o volume....... mais.......... se alguém entrar na sala, neste momento, pensará que você estará dormindo..., mas na verdade, você está escutando o som, completamente desperto e consciente....

    sexta-feira, 12 de fevereiro de 2010

    A Música e o Cérebro - Entrevisa com Oliver Sacks




    De todos os animais, o homem é o único dotado de ritmo, capaz de responder à música com movimentos. É também o único a apresentar um cérebro adaptado para compreender complexas estruturas musicais e ainda se emocionar com elas. Músicos apresentam alterações em regiões cerebrais jamais vistas em outros profissionais. Para o neurologista britânico Oliver Sacks, a musicalidade é tão primordial à espécie quanto a linguagem e entender a relação entre música e cérebro é crucial para a compreensão do homem.
    Em seu mais novo livro, “Alucinações musicais” (Editora Companhia das Letras), o especialista relata casos de pessoas que reagem à música de formas incomuns. Há os que simplesmente não conseguem ouvi-la. E há os que a ouvem o tempo todo, mesmo quando nenhuma melodia está tocando.
    Há gente que passou a ouvir os sons de forma diferente após ser submetido a uma cirurgia cerebral. E mesmo os que desenvolveram um incomum talento musical. Nesta entrevista, Sacks conta que há um vasto caminho ainda a percorrer para que se possa entender completamente esses fenômenos. Mas uma coisa, diz, é fato: “A música se apossou de muitas partes do cérebro humano.”
    O GLOBO (Roberta Jansen): O senhor concorda com Charles Darwin quando ele diz que a música teve um papel importante na evolução? Especificamente na seleção sexual, como um atrativo a mais para o sexo oposto? (ver nota dos editores)
    OLIVER SACKS: Como o comportamento e as suscetibilidades não deixam registros fósseis, é difícil saber como nossos ancestrais se comportavam. Mas estou inclinado a pensar que a música surgiu muito cedo na espécie humana, tão cedo quanto a linguagem. Linguagem e música são fontes de comunicação primordiais.
    GLOBO: O senhor discorda, portanto, de Steven Pinker e de outros especialistas que sustentam que a música é um subproduto do aparato sensorial, prazerosa mas dispensável?
    SACKS: Sim, discordo de Pinker. Não vejo a música como algo acidental e trivial, como um subproduto da linguagem.A música está presente em todas as culturas e apresenta, nos seres humanos, aspectos únicos que não têm paralelo na linguagem. Falo do ritmo, do fato de respondermos à música com movimentos. Nenhum outro animal faz isso. É preciso ver o ritmo como algo primordial na evolução humana.Porque todos os seres humanos respondem a ele. A música une as pessoas. E há conexões específicas no cérebro para isso.
    GLOBO: Unir as pessoas poderia ser uma vantagem evolutiva?
    SACKS: Não posso dizer que a musicalidade humana se desenvolveu para unir as pessoas.Mas algo surgiu, se mostrou vantajoso e houve a seleção dessa característica. É claro que a musicalidade é uma vantagem evolutiva. Nenhum outro animal dança com ritmo, mas qualquer criança o faz. Isso pode ter sido um fenômeno quando surgiu, todos esses pequenos seres dançando.
    GLOBO: De que forma isso é marcado no cérebro humano?
    SACKS: Muitas partes do cérebro se desenvolvem com a percepção, o aprendizado e a imaginação do ritmo. De novo, nenhum outro animal tem a capacidade de ouvir e analisar sons complexos, com tons, semitons, ritmos, palavras.Essa habilidade é especificamente humana. Mesmo pessoas que sofrem de mal de Alzheimer ou tiveram um derrame respondem à música.Várias estruturas do cérebro se relacionam a isso.
    GLOBO: De que forma?
    SACKS: A música se apossou de muitas partes do cérebro humano. É possível ver como o cérebro se modifica em resposta à música. Estudos com imagens do cérebro já comprovaram a ampliação de determinadas regiões no cérebro de músicos. Vendo imagens de cérebros, não dá para dizer quem é matemático ou escritor. Mas dá para dizer facilmente quem é músico quando essas estruturas ampliadas aparecem.
    GLOBO: Há alguma parte do cérebro especialmente voltada para música?
    SACKS: Não há uma só parte do cérebro. A música está em todo mundo, por todo o cérebro, envolve várias partes desse órgão e não necessariamente as mesmas. Isso é que é o mais incrível.
    GLOBO: Mas há também os que não respondem de forma alguma à música, não é?
    SACKS: Sim, há algumas pessoas que não percebem musica e ficam muito impressionados com os relatos. Há outros que não ouvem determinados tons ou semitons. Essas amusias ocorrem em razão de danos no cérebro. Parte da rede que está faltando.
    GLOBO: E as alucinações musicais? Até que ponto elas poderiam ser interpretadas como um problema psicológico?
    SACKS: Quando uma pessoa tem alucinação musical (ouve música que ninguém mais está ouvindo), a primeira coisa que pensa é que ficou louco, que está ouvindo coisas. Mas é um processo completamente diferente de ouvir vozes como os esquizofrênicos. Eles recebem ordens, é bem diferente e as pessoas enfatizam isso. Alucinações musicais são bem comuns, são como velhas memórias que tocam na mente. Não é uma doença mental.
    GLOBO: Por que a música muitas vezes provoca uma reação emocional? Como o cérebro é capaz de diferenciar uma melodia triste de uma alegre?
    SACKS: Um dos maiores poderes da música é controlar emoção, desenvolver, provocar respostas emocionais. Anatomicamente, podemos dizer que algumas regiões do cérebro afetadas pela música estão perto daquelas ligadas às emoções, envolvidas nas percepções dos cheiros que despertam memórias. Mas ainda não está claro como essas respostas emocionais ocorrem. Não se sabe ainda o quanto depende da cultura.

    Fonte: http://oglobo.globo.com/ciencia/mat/2007/09/29/297941924.asp

    Escalas Flexíveis e Oitavas Imutáveis


    Mick Hamer

    Uma das estrelas do último encontro da Associação de Matemática da América foi Robert Schneider, guitarrista principal da banda indie "The Apples in Stereo". Membros da associação ouviram com fascinação uma das faixas do último álbum da banda, "New Magnetic Wonder" (Nova Onda Magnética). Desde as primeiras notas, a música soa estranha e até quase fantasmagórica, um pouco como uma gravação tocada ao contrário.
    Sua qualidade etérea se dá parcialmente pelo uso de geradores de tons no lugar de instrumentos musicais convencionais. Há também uma razão profunda pela qual a música soa estranha: ela faz uso de uma escala musical não usual, na qual os intervalos entre as notas são baseados em logaritmos. Assim mesmo, quanto mais você ouve à música, mais ela se torna prazerosa. "Quando experimentamos funções matemáticas com nossos ouvidos, chamamos isso de som", diz Schneider. "Quando a matemática é particularmente elegante e bem ordenada, nós a chamamos de música".
    Schneider não é o primeiro músico a inventar uma nova escala musical, algumas culturas musicais de longa data, como orquestras de gamelão de Bali e Java, usam escalas bastante diferentes do padrão ocidental. Mesmo as escalas usadas pelos músicos medievais do Ocidente eram diferentes daquelas familiares aos ouvidos modernos. Diferenças que levantam a questão: seria a nossa preferência musical baseada em algo a que estamos acostumados ou em algo inato? As discussões têm sido intensos por décadas sobre até que ponto a música é um aspecto natural ou cultural, mas agora algumas evidências firmes começaram a emergir.
    Tanto melodias, quanto escalas musicais se baseiam em diferenças de freqüência – o que os músicos chamam de "intervalos" – entre as notas. Ouvindo pares de freqüências tocadas aleatoriamente e ao mesmo tempo, você perceberá que algumas combinações sonoras soam prazerosas, enquanto outras podem ser desagradáveis. Aquilo que importa, no que tange a nossa percepção, é a relação entre as freqüências: aquelas que preferimos tendem a ter relações simples como 2:1, 3:2 e assim por diante.
    Quando uma nota tem o dobro da freqüência de outra – um intervalo de uma oitava – as duas juntas não apenas soam de forma agradável, como parecem quase a mesma. Não apenas ouvimos a mesma nota para o Dó central (normalmente em 261.6 hertz) e a sua oitava acima (523.2 hertz), como chamamos ambas de Dó. Dar o mesmo nome para notas separadas em uma oitava não é apenas uma convenção européia. "Isso acontece em todas as culturas que nomeiam as notas", diz Martin Braun da organização de pesquisas em Neurociência Musical, perto de Karlstad, na Suécia.

    Tocando com Escalas.

    Isso, contudo, é onde o terreno em comum acaba. A maior parte da música ocidental é baseada em uma escala na qual a oitava é dividida em 12 notas, chamadas de semitons, cada uma delas diferenciando-se em freqüência da última à razão da raiz 12ª de 2, ou 5.95 por cento. Algumas culturas usam um sistema diferente. Em Java e Bali, por exemplo, existem duas escalas diferentes, uma dividindo a oitava em cinco notas mais ou menos igualmente espaçadas, outra dividindo em sete notas não tão igualmente espaçadas. Orquestras de gamelão tocam nas duas escalas e o som é definitivamente estranho para os não iniciados.
    Na escala logarítmica de Schneider, notas sucessivas ficam cada vez mais perto uma da outra e o número de tons individuais por oitava aumentam quase exponencialmente em oitavas sucessivas. O resultado é uma música apropriada para bases computadorizadas. Para tocar essa música em um piano, seria necessário um instrumento de teclado infinito, sem contar um pianista de braços infinitamente extensos. Apesar de sua natureza aparentemente exótica, a música soa melódica, mesmo quando os intervalos entre as notas individuais soam estranhos.
    Assim, aparentemente, é possível bagunçar as escalas, pois o modo pelo qual os ouvintes percebem o resultado musical depende, em parte, daquilo a que estão acostumados. Mas, quando o assunto são as oitavas, as coisas ficam menos flexíveis. Há uma razão física para isso. Uma corda afinada no Dó central, não apenas vibra em 261.6 hertz (a fundamental), mas também em múltiplos da fundamental, conhecidos como harmônicos (veja o Diagrama). De fato, todos os instrumentos produzem um espectro de sons como esse [N.T. – Embora o envelope harmônico do som de cada instrumento tenha características únicas, o que é conhecido como "timbre"].

    Oitavas Imutáveis.

    Isso poderia explicar porque os macacos Rhesus, que são decididamente amusicais, conseguem reconhecer tons simples previamente aprendidos, mesmo quando são transpostos para cima ou para baixo em uma oitava, mas falham nesse reconhecimento quando os tons são transpostos em meia oitava (ver o artigo "Os Animais são Naturalmente Musicais?"). Braun afirma que isso sugere que nossos cérebros são pré-programados para reconhecer oitavas, e sua própria pesquisa revela que o cérebro humano detecta oitavas mesmo quando a percepção de altura é interrompida.
    Em seu estudo, Braun contou com a ajuda de uma pianista concertista com ouvido absoluto – o que significa dizer que ela é capaz de identificar a altura de qualquer nota, mesmo quando tocada isoladamente – e uma droga controladora de humor, chamada carbamazepine, a qual tem o curioso efeito colateral de alterar para baixo a percepção de altura em cerca de meio tom e distorcer a percepção dos intervalos musicais. Braun afirma que o experimento demonstra que duas notas separadas por uma ou mais oitavas compartilham o mesmo caminho neurológico, ativando um grupo de neurônios específico de uma parte do cérebro chamada de tálamo auditivo. Assim, embora o reconhecimento das oitavas pareça ser inato, aprendemos outros intervalos musicais da mesma forma que as crianças aprendem as linguagens.
    Há algo de libertador em saber que nossa apreciação musical é uma mistura de elementos naturais e culturais. Isso significa que, com o passar do tempo, poderíamos começar a apreciar sons que inicialmente tínhamos como ofensivos. Também explica uma longa lista de músicos que eram considerados avançados para seu tempo, mas que hoje são vistos como tradicionais.

    Fonte: Revista New Scientist, vol. 197, nr. 2644 (23 de fevereiro de 2008), p. 32-34.
    Artigo original disponível on-line em http://www.newscientist.com/article/mg19726441.400-music-special-flexible-scales-and-immutable-octaves.html

    Tradução: Adrian Theodor (março e abril/2008). Revisão: Levi de Paula Tavares.